Gorillaz
Plastic Beach

Parlophone
Grande-Bretagne
Note : 8.0/10

« Pop! » C’est le son que fait Plastic Beach, le dernier disque de Gorillaz, lorsqu’il se décolle de son esthétique boîtier. Sur la pochette, on peut voir l’œuvre d’ingénieux graphistes avec un tableau conçu à l’ordinateur d’une île artificielle sous forme de champignon nucléaire qui flotte sur un océan déshumanisé. À l’intérieur du lecteur de disques, le « pop » se continue de belle façon avec un excellent mélange de hip-hop, d’orchestration orientale et d’électro que seuls des personnages animés et hallucinés peuvent dessiner avec autant de charme.

C’est pour une troisième fois que Murdoc, 2D, Noodle et Russel reprennent vie dans leur rôle de super groupe virtuel et cela pour satisfaire les imaginaires visuels et auditifs de l’ex-membre de Blur, Damon Albarn, et du dessinateur de la bande-dessinée Tank Girl Jamie Hewlett. Le duo ne revient pas avec le même schéma musical que celui de son album précédent, Demon Days et n’offre rien qui ressemble aux expérimentations de son premier opus éponyme. Les simples à succès comme Clint Eastwood et Feel Good Inc n’y sont pas non plus présents, au grand bonheur de toutes les seize pièces bien travaillées de Plastic Beach. Cette galette est un album concept qui ne peut s’écouter que dans son œuvre intégrale. Ainsi, les chansons se suivent et se répondent parfaitement l’une après l’autre sans jamais s’éclater individuellement. Bien sûr, certaines sortent du lot avec des sonorités plus intéressantes mais ce n’est pas au dam des autres.

Avec une introduction orchestrale d’au moins une minute, Gorillaz surprend et intrigue l’auditeur comme si d’un bateau, un observateur pressentait la terre s’approcher à l’horizon. Le rappeur Snoop Dogg est le premier à rompre le silence vocal en clamant de son vibe funky « Gorillaz and the boss dog, planet of the apes » dans Welcome to the World of the Plastic Beach. Synthétiseurs et claviers juteux abondent dans cette pièce sous fond d’électro-pop. Ne s’éloignant jamais de la surprise, la troisième pièce White Flag débute avec une parade solo d’une minute de l’Orchestre National libanais pour la musique orientale pour finalement se joindre à un duel hip-hop entre les rappeurs Kano et Bashy.

Rhinestone Eyes, rare pièce à n’avoir aucun invité spécial, est le rêve lucide d’une balade nocturne en ville au cœur de rues habitées par des discothèques électroniques colorées. Les synthétiseurs jouent ici le rôle de grands faisceaux lumineux qui aveuglent l’auditeur jusqu’à lui faire comprendre le sens des paroles. Jamais Albarn n’a sonné aussi mélancolique et passionné sur des paroles de lunatiques. Le premier simple Stylo suit avec son hymne aux groupes new wave comme New Order et au disco synthétisé des années 80. Bobby Womack utilise sa voix édifiante pour construire une trame sonore répétitive sur laquelle Mos Def improvise quelques passes de rap. Redondante, Stylo a son charme lorsqu’elle est écoutée avec le reste de l’album mais, à elle seule, elle est un simple très ordinaire.

En plein centre de l’album, Glitter Freeze exploite l’électronique avec une montée instrumentale qui n’est pas sans rappeler la progression de vieilles chansons rock comme One of These Days de Pink Floyd. Après cet ovni musical, la troupe animée ralentit son tempo et tente des expérimentations avec des invités de tout genre comme le chanteur de Velvet Underground, Lou Reed, et le guitariste et bassiste des Clash, Mick Jones et Paul Simonon. Toutes aussi alléchantes, ces pièces révèlent des accents pop qui réussissent à atteindre l’effet désiré, soit d’hypnotiser son auditeur dans l’aventure que raconte Plastic Beach.

Gorillaz donne à l’artificiel une forme musicale qui, ironiquement, s’emprunte à l’une des meilleures pop du moment. Damon Albarn réussit encore le pari qu’il a débuté en 2001 en créant le groupe virtuel le plus populaire au monde. Plastic Beach aurait facilement pu tomber dans la pop facile mais il a plutôt un effet dévastateur pour les oreilles qui sont prêtes à s’imbiber de toxines électro-chimiques.

Spoon
Transference

Merge
États-Unis
Note : 7.5/10

En amour pour les mauvaises raisons avec la pop, le quartet américain Spoon se divorce du style et explore le thème de l’incompréhension avec Transference, son septième opus. Ici, le génie ne réside pas dans l’accroche-oreille, mais plutôt dans le plaisir de la simplicité. C’est donc dire que le groupe se secoue dans un grand café velouté qui se corse à l’occasion, mais qui ne délivre rien d’aromatisé.

Dès la première note, on le réalise. Spoon ne répète pas sa fameuse recette « pop-bonbon-alternative » qui lui a permis de quitter les bars. Kill the Moonlight et Ga Ga Ga Ga Ga, des albums qui ont été très bien évalués par des critiques de tout genre, sont loin du son moins clair et plus trash de Transference, et tant mieux. Le quartet d’Austin lève d’un cran le volume de ses guitares et présente un album plus recherché et élaboré, mais aussi moins astiqué du point de vue de la production.

Le chanteur Britt Daniels a déclaré que son groupe a voulu produire Transference pour donner une idée à ses admirateurs de ce que Spoon peut livrer lorsqu’aucune restriction n’est de mise. Le résultat est audible. Des surprises comme la voix ralentie et incompréhensible sur fond de solo dans I Saw the Light et les synthétiseurs dépolis et découpés de manière saccadée dans The Mystery Zone, agrémentent l’album sans pour autant prendre le dessus des instruments effrénés. D’ailleurs, la pièce I Saw the Light représente le principal tour de force de Transference. Morceau central de l’album, cette dernière pièce entraîne l’auditeur dans une pluie de partitions instrumentales s’enchaînant une à la suite de l’autre pour finalement se terminer dans un jam qui côtoie l’agressivité électrique de la guitare et la mélancolie du piano pendant plus de trois minutes.

De leurs côtés, les premiers simples Written in Reverse et Got Nuffin n’atteignent pas le calibre et le charisme des Out Go the Lights et The Mystery Zone qui à eux représentent de biens meilleurs moments musicaux. La ravissante ambiance de Out Go the Lights rappelle par sa lente progression les ballades populaires 1979 et Mayonnaise des Smashing Pumpkins. On peut y entendre d’intéressants détails comme le bruit ralenti d’une caisse frappée qui simule ainsi le son d’un long soupir.

Quant au titre de l’album, le mot Transference signifie l’emprisonnement psychologique dans lequel s’enferment inconsciemment certains individus pour qu’ils puissent s’attacher à une personne qui, en réalité, leur en rappelle une autre. La réalisation de cette réflexion apparaît brillamment dans les paroles de Britt Daniels comme dans la première ligne du morceau Before Destruction qui amorce l’album « Before destruction a man’s heart is haughty » (avant la destruction, le cœur d’un homme est très fier).

S’il fallait analyser l’album dans la carrière du groupe, ce septième opus représenterait pour Spoon la fin d’une belle et malsaine romance qu’il a entretenue avec la pop, mais il désignerait aussi le début d’une nouvelle ère. Malgré quelques imperfections, Transference a le potentiel de se recréer dans de futurs albums et chansons.

Owen Pallett
Heartland

Domino
Canada
Note : 9/10

Créature hybride composée de pop orchestrale épique, de folk subtile et d’une construction indie rock, Heartland, premier disque d’Owen Pallett sous son véritable nom, se qualifie aisément de trésor canadien laissé pour compte. Pourtant, ce mélange entre nervosité de trame sonore pour jeu vidéo et arrangements flamboyants constitue le meilleur disque en ce début d’année.

L’écoute peut s’avérer difficile, étant donné l’audace et la créativité assez avancées de l’album. L’instrumentation se compose essentiellement du violon de Pallett, d’un orchestre de Prague et d’ajouts électroniques fréquents, mais extrêmement bien dosés. S’il ne s’agit en aucun cas de musique classique, l’impression qui s’en dégage demeure semblable : celle d’être profondément touché et troublé par la majesté d’une expérience noble mais purement organique.

Par exemple, sur Lewis Takes Action, le rythme se base sur des cuivres et des cordes intermittents, laissant une bonne partie de l’espace sonore à la voix du multi-instrumentiste. Entre les blocs vocaux, des envolées de cordes dominent l’écoute, tout ça pour se terminer sur une mélodie extrêmement fantaisiste. The Great Elsewhere se compose d’une architecture électronique détachée et complexe à laquelle se greffent une batterie et l’orchestre. Ce mélange donne lieu à une escapade musicale dégringolante et inquiétante de par le mélange entre les frappes de percussions et les orchestrations magistrales, le tout assimilé à une ambiance de course contre la montre.

Lewis Takes Off His Shirt constitue un suspense auditif, avec une présence électronique nerveuse et des arrangements sublimes toujours localisés au bon moment pour créer un effet. La chanson monte en crescendo pour redescendre aussitôt, accouchant ainsi d’une sensation globale de transport maritime coincé dans le courant se brisant, au final, sur un récif rocailleux.

Un autre point fort d’Heartland, outre son improbable mélange entre folk, indie rock et pop orchestrale et sa splendeur flamboyante, est sa capacité à transporter l’auditeur dans un voyage à travers le concept du disque. La trame narrative se compose essentiellement d’un dialogue entre un violent fermier nommé Lewis et son créateur, Pallett, le tout dans un monde nommé Spectrum. Si ça peut paraître étrange, le résultat se rapproche d’un conte, hanté et tordu, à propos du contrôle et du pouvoir vis-à-vis sa propre destinée.

À travers les 12 pistes de l’album, on découvre un musicien extrêmement talentueux et inspiré, capable de mélanger des genres incongrus pour aboutir à un résultat immensément riche et surprenant. Entre l’aventure épique, l’orchestre magique, l’enchantement musical et l’alternatif, Heartland fait bande à part et impressionne grandement.

Vampire Weekend
Contra

XL recording
États-Unis
Note : 7/10

Vampire Weekend a accompli l’exploit de maintenir secret le contenu de Contra jusqu’à environ 1 semaine avant sa sortie, c’est-à-dire lorsque le groupe a rendu disponible les chansons sur son Myspace. Ce fut peut-être une bonne chose pour ce groupe, qualifié pour se joindre à la catégorie des bands propulsés extrêmement rapidement grâce au web 2.0 et à la hype. Le mystère est donc resté entier pour, finalement, nous avoir fait saliver d’attente pour un bon disque, sans plus.

Horchata, connue du public depuis belle lurette, constitue une introduction solide au reste de l’album. Les moments moins intenses, conduits par des sonorités afro-pop basées sur une esthétique indie-rock très new-yorkaise, se retrouvent séparés par un refrain avec rythme caribéen et voix en choeur. Sans être magnifiquement entraînante, elle demeure efficace grâce aux variations de rythmes et de mélodies.

Dans le même registre on retrouve White Sky, moment léger incluant des sonorités similaires et un refrain presque comique où Ezra Koenig, chanteur et guitariste, s’amuse à pousser sa voix ridiculement aiguë. Run et Diplomat’s Son font aussi parti de cette portion plus afro-pop et, si la première constitue l’un des points forts grâce, encore, à la variété de rythmes et de sons, la seconde ennuie lors des couplets avec une mélodie simili-dub et une voix paresseuse sans énergie

Ce dernier concept demeure pourtant ce qui fait la force du groupe et celui-ci le prouve avec Cousins, chanson énergique manoeuvré avec un combo batterie-basse appuyé, par moments, par des explosions de guitare cassantes. Ezra, et le reste du groupe, semble s’amuser comme un fou à chanter à propos d’absolument rien et à crier des AY! AY! AY! jusqu’à un crescendo final accompagné de cloches de célébration.

Lorsque l’énergie manque (I Think Ur a Contra, Taxi Cab), le groupe endort avec des tentatives ratées d’Ezra de chanter bas et doucement. Musicalement, l’atmosphère de Vampire Weekend demeure, mais pas le résultat, sans nervosité ou rehaussement spontané. La saveur pop réjouissante se retrouve diluée dans des sections molles où le groupe finit par perdre son identité.

Et que dire de California English, construite sur un bon rythme mais parasitée par de l’auto-tune maladif qui gâche la voix qui, au milieu du bordel sonore, se perd et brise les sonorités pourtant bien choisies.

Par moments mal proportionné, par d’autres porteur d’une énergie pandémique doublée à une atmosphère tropicale hybride avec de l’indie rock nordique, Contra demeure un bon disque qui, par contre, risque de décevoir les plus ardents fans du premier opus.

Atlas Sound
Logos

4AD
États-Unis
Note : 9/10

Bradford Cox, chanteur de la formation Deerhunter, a lancé un second album solo génial qui combine la pop indie à une atmosphère shoegaze complexe et brumeuse. Prouvant une fois de plus son génie musical, Cox emprunte les concepts de base de son groupe pour les personnaliser, les raffiner et les polir. Le résultat de cet effort donne un superbe mix entre douceur, profondeur et créativité.

Dès l’introduction The Light That Failed, une ambiance intime et conviviale, comme une petite pièce éclairée grâce à une lampe multicolore s’installe. Dominée par une mélodie répétée de guitare acoustique et dirigée par des entrées et sorties de sonorités électroniques modérées, c’est-à-dire bien dosées pour ne pas sombrer dans l’électro-pop sucré et fluo, Bradford répète encore et encore le titre de la chanson comme pour nous marteler et nous convaincre de l’ambiance. La recette se répète sur la pièce suivante, An Orchid, qui suit sans trop réellement s’afficher, comme si les deux chansons en constituaient qu’une seule.

En compagnie de Loah Lennox suit Walkabout, morceau grassement pop avec sa mélodie de presque piano joyeux, la voix de Bradford trafiquée et brumeuse et les fonds vocaux angéliques de Lennox. Tout cela évoque une renaissance pop cachée derrière des rideaux de shoegaze et des nuages d’effets postproductions cinématographiques. Il s’agit du gros point fort de l’album : la capacité du leader de Deerhunter à embrouiller ses créations douces et timides dans un enveloppe de sons électroniques opaques, de voix harmonieuses éjectées de nulle part ou de guitare rythmée.

Les morceaux du disque s’emboîtent l’un dans l’autre pour former une mosaïque de sons qui s’entremêlent. Chaque envolée pop est maîtrisée par une structure, des sonorités ou des mélodies hors du commun bien dosées de par leur diversité. L’album s’écoute d’un bout à l’autre sans que l’on réalise les changements de chanson tellement tout est bien calculé et mélangé subtilement.

Bradford Cox possède un génie créatif musical parmi les plus puissants de cette fin de décennie. En solo ou avec Deerhunter, le mec repousse les limites de l’alternatif avec son shoegaze pop faussement électro et probablement indie. Une barrière de plus de brisée avec ce disque.

St. Vincent
Actor

4AD
États-Unis
Note : 9/10

J’ai un préjugé complet sur les albums dont la pochette est composée du visage de l’artiste. Il me semble que, créativement parlant, cela constitue un vide visuel profond, comme si la couverture d’un disque ne constituait uniquement d’une espèce de vitrine publicitaire qui, lorsque le consommateur se rend chez le disquaire, pourrait intercepter la pupille de l’oeil et ainsi faire gonfler les ventes d’une manière indirecte et subtile. Ce qui est probablement le cas pour les «artistes» pantins de compagnies de production et d’autres groupes capitalistes pour qui l’art n’est qu’une manière de faire de l’argent et peut être exploitée et transformée pour se fonde aux besoin du marché.

Voilà pourquoi je n’ai pas écouté le deuxième album de St. Vincent dès le début, malgré toutes les bonnes critiques que j’ai pu lire. Arrangements géniaux, voix superbe d’accord, mais vous faites quoi de SA FACE PLANQUÉE SUR LA POCHETTE? Ça ne ment jamais! J’aurais dû réfléchir : un visage sur une pochette rime avec commercialisation de la musique lorsqu’il s’agit d’un produit et non d’une oeuvre d’art. Je me suis donc fait jouer un vilain tour, pour finalement me rendre compte que Actor est un album merveilleux.

Mon idée préconçue fut brisée dès la première chanson, «The Strangers». Chanson folk assez douce, dirigée par des arpèges de guitare acoustique et rythmée par une batterie basse synthétique battant chaque temps. Alternant entre chorales et sons plus classiques, la chanson explose à 2 minutes 33 secondes après un petit crescendo. Exploser est un bien grand mot. Disons plutôt qu’elle augmente d’intensité avec la guitare électrique, l’addition d’une vraie batterie et la mélodie désormais assurée par un espèce de violon artificiel. Surprise totale, la voix d’Annie Clark était suffisamment douce pour laisser croire que les compositions de son disque seront particulièrement basées sur ce fait.

Le son de l’album est principalement caractérisé par un mélange entre ce folk plutôt doux, un peu mignon et presque juvénile tellement il peut paraître naïf. Et si ce n’était que de ce simple côté-là, Actor consisterait en un simple album folk qui se flatte bien. Mais non. Pas pour Annie Clark. Pas pour St. Vincent.

«Actor Out of Work» constitue le meilleur exemple du deuxième visage que montre ce disque. Batterie presque militaire tapant un rythme continue comme une espèce de marche rapide sur fond de guitare électrique et de trompette/guitare modifiée par ordinateur troublante et montées vocales lors du refrain faisant contre-poids aux «I think I love you / I think I’m mad» répétés.

«Black Rainbow» suit et contient des mélanges entre cordes, cuivres et flûte à bec évoluant tout en douceur vers le ciel. Mais une petite sensation torturée se cache dans l’ombre et sort du sac un peu avant la 150e seconde de la chanson et se termine en un crescendo complètement épique et troublant mêlant, et ce à l’opposé total du reste de la chanson, violons captivants et douloureux et rythme agressif et violent tenus par les tambours et guitares. Et, comme pour conclure sur la chanson suivante, Annie déclare : «Just like amnesia I’m trying to get my senses back».

Ces surprises d’instrumentation pleuvent tout au long de l’écoute de Actor. On se surprend toujours des arrangements unissant moments de tendresse menés par la charmante voix de la jeune dame et agressions musicales presque héritées de Nine Inch Nails par moments. Cocktail rafraîchissant dans le monde où la pop baigne dans crasse de sa propre répétition. Le risque est mort! Vive le risque!

Victory Hall
The Dull’s Commando Merchandise

Total Heaven
France
Note : 5.5/10

La musique anglo-saxonne, en ces ères de mondialisation et d’internationalisation des cultures, existe désormais partout. Ou presque. Dans un coin reculé et isolé d’une région agraire de la Chine il est fort probable que, disons, Paul McCartney, les guitares électriques et la musique pop soient inconnus, tout comme en Corée du Nord. Mais autrement, la vente d’albums avec pochettes de plastique a pu se développer sur tous les continents, être distribuée à des centaines de différents peuples et faire profiter une poignée de marchands industriels, principalement anglo-saxons.

La culture, dans ce nouveau marché grouillant d’un néo-libéralisme où la monnaie bancaire constitue à la fois le fer de lance et la fondation institutionnelle, n’est plus qu’un simple produit comme les autres, malléable, commercialisable, exploitable et distribuable, ce qui peut, à long terme, finir par affaiblir complètement le concept de nationalisme et les États qui en découle.

Pourquoi cette introduction socialiste à saveur marxiste et pro-nationale? Il n’y a rien de mal, au contraire, au mélange des identités. Le partage des connaissances et des concepts entre des groupes d’individus, communément appelé nation ou peuple, constitue en soi une excellente chose permettant l’avancement des idées et le progrès de la civilisation. Seulement, parfois, et c’est particulièrement le cas avec la culture anglo-saxonne, la notion artistique finit par se perdre dans un melting pot de concepts de commercialisation et la base même de l’identité culturelle désignée par la vertu nationale disparaît avec l’intégration d’une trop grande quantité de jus de tomate Campbell à la soupe populaire de la majorité ethno-culturelle.

Bon d’accord. Je me suis emporté. Cette introduction n’a pas grand chose à voir avec ce disque de Victory Hall, The Dull’s Commando Merchandise, si ce n’est que ceux-ci font définitivement de la musique purement anglo-saxonne. Une espèce de concoction post-Beatles, définitivement pop avec une petite touche de rock par moments. Et ce n’est pas parce qu’ils sont Français que j’ai donné cette note ; il s’agit plutôt d’un constat qui, selon moi, relève quelque peu du manque de créativité des membres du groupe.

Avec les instruments traditionnels pour le pop-rock, c’est-à-dire guitare électrique, basse électrique, batterie et synthétiseurs années 60-70 et des structures de chansons assez traditionnelles malgré quelques petits passages moins communs, The Dull’s Commando Merchandise ne réinvente pas la roue. Il ne réinvente pas non plus le feu, l’agriculture ou la Vis d’Archimède. Même que le groupe n’invente pas grand chose, ce qui demeure son principal défaut.

Niveau divertissement, la bande livre la marchandise. 16 chansons souvent plutôt courtes, diversité sur le disque au niveau des rythmes et des mélodies, solos, passages instrumentaux bref, on y retrouve d’à peu près tout grâce à cette quantité de pistes. Malheureusement, comparé au reste du bouillon musical mondial, Victory Hall ne se distingue pas. On pourrait les qualifier d’«encore un autre groupe pop anglo-saxon» sans problème tant tout cela se fond dans la masse.

Par contre, on ne peut pas nier leur talent d’écriture musicale. Les mélodies sont finement aiguisées, les arrangements bien cadrés et les solos de bon goût. Le potentiel est là, simplement il semble être mal utilisé. Sans pour autant être dull, cet album de Victory Hall demeure profondément remplaçable dans le paysage musical pop anglo-saxon mondial. Enfin, le groupe demeure à surveiller et pourrait, espérons, causer une petite surprise dans l’avenir.

Jeepster
What if All the Rebels Died?

Distile
États-Unis
Note : 7.5/10

La Californie possède un charme particulier. Avec le caricatural Arnold Schwarzenegger à sa tête, cet État constitue un paradoxe en lui-même : dirigé par un républicain, possède un passé considéré progressiste avec des histoires de présences étudiantes, homosexuelles ou autres groupes ne faisant pas parti de la majorité silencieuse appuyant Nixon, berceau des nouvelles technologies à la Google et Yahoo, deux superpuissances exemplaires de cette région cerveau qualifiée d’environnementaliste mais dont les meilleurs fleurons sucent l’énergie électrique et consomment sans modération dans une ère où l’habitat des êtres humains semble posséder un futur incertain.

Si j’introduis mon article par une comparaison du spectre gauche-droite californien, c’est pour deux raison. Premièrement, oui, Jeepster est basé en Californie. Le contraire aurait mené à une introduction encore plus hors-sujet, chose presque blasphématoire étant donné que celle-ci l’est déjà beaucoup. Ensuite, pour mettre en évidence le concept de paradoxe, puissant en Californie, tout comme dans ce disque, What if all the Rebels Died? de Jeepster.

Jeepster, c’est deux anciens membres de O!The Joy renforcés par Jonah Wales (sans lien de parenté avec le Prince of Wales). Jeepster, c’est de la pop aux influences très années 70. Dès l’introduction «A Day in the Dark», les synthétiseurs sont mis de l’avant en jouant le rôle de mélodie de tête, avec basse et batterie dans le rôle de section rythmique. Couplet, refrain couplet, refrain, pont musical alliant tambours roulants et bruits étranges et passages similaires au couplet. Le reste de la chanson se continue comme la base, tout en proposant des arrêts rythmiques  créant un effet mélodique supplémentaire.

S’ensuit «Don’t Go Too Far», avec le même synthétiseur, cette fois basé sur une batterie roulante variant avec un rythme plus conventionnel. Ce qui surprend, c’est l’efficacité de la simplicité proposée ici. Chansons courtes avec structures moyennement conventionnelles et parfois plus éclatées, instrumentation de base avec guitare, batterie, basse et clavier, influences rock et pop des années 70 et, dans une moindre mesure, les années 2000 (on retrouve un peu de The Walkmen dans les arrangements parfois) et voix en falsetto fantomatique enregistrée avec beaucoup de hautes fréquences.

Si la musique de Jeepster peut, à première vue, sembler facile, plus profondément ça semble différent. Le disque est très court (29 minutes 57 secondes réparties en 10 chansons), permettant ainsi de puncher les chansons sans les étirer inutilement. Le groupe joue ce qu’il a a joué sans faire de copier coller pour doubler le temps d’écoute. Que ce soit des moments plus instrumentaux ou dans les chansons pop plus conventionnelles, Jonah Wales et sa band ont concocté un bon mélange de simplicité et d’efficacité. Ce n’est peut-être pas aussi paradoxal que la Californie, ça demeure quand même surprenant. À écouter plusieurs fois, question de bien assimiler la musique.

Numéro#
Sport de combat

Saboteur
Québec
Note : 6.5/10

Il y a trois ans, Numéro# lançait son premier disque, L’idéologie des stars, sur la même étiquette que Dj Champion, Saboteur. Dans cette œuvre se trouvait le single qui a occupé plusieurs heures de temps d’antenne sur les plateformes médiatiques ciblant surtout les jeunes et qui fut enregistrée avec Omnikrom : Chewing gum fraise. Avec son vidéoclip carrément quétaine, sa base pop-électronique années 80 et son sujet adolescent et naïf, Chewing gum fraise ne représentait pas grand chose du reste de l’album de ce groupe. En fait, si l’instrumentation demeurait la même, c’est-à-dire basée sur des musiques synthétiques, synthétisées et informatisées, les thèmes variaient d’un extrême à l’autre puisque l’essence du disque reposait sur le sarcasme et le cynisme vis-à-vis les élites de la société. Attaquant tour à tour le snobisme de certains intellectuels se croyant au-dessus de la mêlée, les artistes se pensant cool  et ainsi de suite, Pierre Crube et Jérôme Rocipon tentèrent une manœuvre périlleuse : critiquer la pop tout en faisant de la pop. Visiblement, l’objectif a été atteint et, trois ans plus tard, Sport de combat, leur deuxième opus, voit le jour. Force est de constater que le groupe a changé de voie.

Pour remplacer les paroles satiriques et les assauts verbaux, Jérôme a écrit des textes tournant plutôt autour de ses angoisses et de ses peurs. Évidemment, la musique a prit le même tournant et les arrangements fluos sont désormais plus sombres et agressifs. Le premier titre de l’album, Tonton klaxonne, constitue un single à part entière avec sa mélodie électronique rapide en double-croche, les tambours alternants entre notes hautes et notes basses à chaque temps, la structure de chanson traditionnelle avec bridge après le deuxième refrain et le refrain, justement, accrocheur à souhaits. On sent que Pierre Crube, artisan du niveau musical du groupe et producteur, a peaufiné sa technique d’échantillonnage. Les textures de son se retrouvent bien rodées et souvent beaucoup plus profondes que ce que la musique pop a à offrir lorsque l’on regarde du côté des stations radiophoniques. Synthétiseurs agressifs, envolées saturées, relais mélodiques entre pistes de sons, en général Crube a fabriqué des plateaux musicaux soutenant convenablement la voix de son camarade.

L’ambiance de l’album tourne autour des questions majoritairement émotionnelles posées par Jérôme. Sur Tout est parfait, la mélodie électronique basse et effréné supporte les paroles un peu simplistes du chanteur : « Tout est parfait/digne, héroïque/pourquoi vivre autrement? ». Ce genre de réflexion existentielle abonde dans les paroles un peu partout tout au long des 38 minutes et 55 secondes composant l’album. Les thèmes alternent autour du sarcasme rôdant autour des bases de la société, l’homme perdu sur une île incapable de retourner sur la terre ferme, le mensonge, l’angoisse et la transformation, des êtres humains, en machine à consommer. Et sur ce point, Numéro# garde sa verve de base en critiquant, sur des points différents, des problèmes de notre société post-moderne et consommatrice.

Tout de même, certaines pistes sont moins sombres musicalement. Angoisse, paresse, panique, malgré son titre froid, possède un refrain accrocheur grâce aux envolées magiquement efficaces évoluant en crescendo avant de tomber dans un bridge nerveux à deux arpèges. Faux tempo base sa progression sur un piano modifié et une sympathique mélodie synthétique très années 80 avant de sombrer dans une très réussie cassure rythmique passant du bas niveau à un sommet d’ambiance mélangeant le piano et les paroles rêveuses de Jérôme se terminant avec la fin de la chanson.

Il est important de l’avouer : Numéro# constitue un groupe pop bien au-dessus de la moyenne dans ce genre de style. Si, la plupart du temps, ce type d’artiste se contente de concepts et de structures constructrices empruntées à la radio, Jérôme et Pierre font de leur mieux pour faire les saumons et remonter la rivière à contre-courant. Si c’est parfois efficace, parfois ça l’est moins. L’auto-tune, popularisée par Kanye West, T-Pain et autres, aurait facilement pu être mise à la poubelle étant donné que Jéröme est suffisement apte à faire vibrer ses cordes vocales sans l’aide d’un codec informatique pour ajuster son timbre. Lorsque le duo n’invente pas quelques chansons dénonçant la société dans laquelle il vit, il s’approprie quelque peu les mauvais côtés de cette culture. On aime Numéro# pour leurs propos intelligents rythmées sur des musiques accrocheuses mais, sur ce disque, ils prouvent qu’ils abaissent parfois leurs gardes intellectuelles pour devenir des produits de la société. Comme quoi tout le monde est humain.

Certains groupes manquent gravement à ma culture musicale. Je blâme facilement ma jeunesse, simplement parce que, premièrement, c’est très facile à blamer et ça passe toujours bien et, ensuite, il est vrai qu’être né quelques semaines avant la chute du Mur de Berlin m’a empêché de grandir en écoutant de grands groupes aujourd’hui cultes. Des séances de rattrapage autodidactes, ça existe, mais ça ne va jamais permettre de faire revivre l’air ambiant de certaines époques passées aux néophytes qui tentent de s’y rattacher. Entre les lignes, vous aurez compris ici que je n’ai jamais écouté de Depeche Mode avant ce disque. Personal Jesus et les autres singles ne me rappellent aucun souvenir, rien, si ce n’est que l’esthétique de la pop-électronique des années 80. Je me suis donc attaqué à Sounds of the Universe avec aucune peur, aucune appréhension qu’un groupe de cette envergure puisse chier un album merdique parce qu’ils sont trop vieux, ridés ou ramollis.

Sans savoir si ça s’intègre dans la suite musicale logique du groupe ou quoi que ce soir du genre, on a affaire à un album purement basé sur des sons artificiels et électroniques, avec des ajouts de guitare électrique à certains moments. L’intro In Chains est une pièce mystérieuse bâtie sur une progression de synthétiseurs et de guitares avec wah-wah dont le rythme se casse avant chaque refrain pour créer des variations mélodiques réussies. Et bien que les fondations de l’album soient synthétiques, l’instrument à cordes le plus populaire du monde joue un important rôle sur plusieurs chansons. Que ce soit sur Fragile Tension, dont l’avancée mélodique est assurée à tour de rôle entre les deux genres de sons, sur Hole to Feed ou sur Come Back, titre presque noisy qui n’a rien à envier aux récents The Pains of Being Pure at Heart, l’overdrive s’intègre très bien à l’humeur tendue et nerveuse du disque.

La structure globale de l’oeuvre même demeure simplement basé sur de la fabrication par ordinateurs, claviers et autres composants MIDI du genre. Wrong, par exemple, mêle arrangements vocaux avec progression technique d’accords en arpège synthés. Voilà une façon de faire qui ammène souvent des moments froids et inquiétants, comme sur Little Soul ou sur le skit Spacewalker, petit moment de répis spatial d’une durée de presque deux minutes. Une sorte d’aura noire avec nuances de gris émane de l’album tellement le mélange entre les composantes électroniques glaciales et angoissantes, les ajouts de guitare électrique distortionées plus sales et les arrangements vocaux, parfois simplistes et directes ou alors glorieuses (Peace), créent une concoction efficace mais distante et pleine d’inconnue. Très bon tremplin pour retourner en arrière découvrir le Depeche Mode originel.

Note : 3.5/5